Crónicas de Tannhäuser: Tiburón

“Sr. Vaughn, aquí estamos tratando con una máquina perfecta,
una máquina de comer. Es realmente un milagro de la evolución.
Todo lo que hace es nadar y comer y hacer tiburones pequeños, nada más.”

Matt Hooper, Tiburón

Queridos lectores, como sabréis, estamos ante un hito en la historia reciente (aunque se acerque a la cuarentena) del cine, una película que causo furor y pánico a lo largo de todo el globo, un torbellino selacofóbico que convirtió a Spielberg en el director de moda y aún sigue poniéndonos los pelos como escarpias (de hecho, la historia está tan extendida que ni me molestaré en hablar de su argumento). Sin duda alguna, Spielberg fue el artífice del colosal éxito del filme, el verdadero tiburón que situado tras la cámara fue capaz de devorar todos los récords de taquilla habidos y por haber. El culpable de que una generación entera se lo pensara un par de veces antes de poner un pie en el agua.

Crónicas de Tannhäuser: Encuentros en la tercera fase

“Dice que el Sol salió anoche y le cantó.”

Líder del proyecto, Encuentros en la tercera fase

Durante la segunda mitad de los 70 surgió una espléndida y maravillosa generación de cineastas que coparon todas las miradas durante más de una década. Esta generación, a parte de ser una de las mejores de la historia de Hollywood, fue la encargada de levantar al monstruo que se estaba derrumbado por su propio peso, resucitándolo de sus cenizas y alzando el vuelo con un áurea de esperanza, optimismo, genialidad y fantasía. Antes de la fundacional Star Wars de Lucas, un imberbe y veinteañero Steven Spielberg que se había llenado los bolsillos con el bombazo de Tiburón (1975), se disponía a embarcar el viaje hacia su tercer largometraje.

Si con El diablo sobre ruedas (1971) demostró sus valía como perfecto realizador con un dominio espeluznante de la puesta en escena, Tiburón sirvió para corroborar que su talento no era fruto de un sólo día, demostrando además su universal magnetismo para con el público, acumulando multitudes espectadores en las salas y multitud de millones en las arcas. La tercera fase (nunca mejor dicho) corría por un sendero más íntimo y personal, una semilla plantada en su infancia que no pudo germinar completamente hasta 1975, cuando quiso rescatar Firelight (1964), su primer y ambicioso largometraje amateur completado con 500 $ a la edad de... 18 años. Este largometraje de 120 minutos narraba el ataque de unos platillos volantes a una pequeña localidad norteamericana, dejando entrever su creciente afición por las estrellas, la ufología y lo desconocido.

Tal era la obsesión y estima que tenía por el proyecto, que él mismo fue el guionista del film (a excepción de escenas, diálogos y situaciones puntuales), elaborando minuciosamente una película en la que, a pesar de su espectacularidad, nos cuenta una historia que ocurre sobre todo en el interior de cada uno de los personajes. No hay que olvidar nunca los detalles que resplandecen al mirar atrás y recordar una película como ésta; en ella, Richard Dreyfuss hace su mejor papel con diferencia antes de su caída en picado, tenemos a un François Truffaut (en un principio su papel lo iba a interpretar Roman Polanski) que nos arranca una sonrisa a todos los que amamos esta cosa llamada cine, un John Williams inconmensurable, completando una de sus mejores piezas, inundándonos el alma, encogiéndonos el corazón con cinco simples notar musicales. A parte, tenemos a un Spielberg volcado y entregado en cuerpo y alma a un proyecto que ha brotado de su interior, empecinado en hacerlo lo mejor posible, rindiendo fidelidad y pleitesía a la creatividad y su criterio sin estar tan pendiente de los billetes verdes (una rareza, sin duda).


He aquí la historia de Roy Neary (Richard Dreyfuss), un empleado de una compañía eléctrica que se encuentra arreglando un apagón cuando su camioneta se detiene a mitad de camino, siendo inundado por una potente luz procedente del cielo; sufre un encuentro cercano en la tercera fase. Entretanto, el científico y ufólogo francés Claude Lacombe (François Truffaut), investiga la extraña aparición de un escuadrón aéreo perdido de la II Guerra Mundial en medio del desierto de Sonora. Volviendo a Neary, nos percatamos de que es completamente incapaz de reponerse del suceso, obsesionándose y fascinándose por igual con todo lo adyacente a la ufología. Su esposa Ronnie (Teri Garr) intenta comprender a su marido, pero la errática conducta de éste provoca que termine abandonándolo, llevándose con ella a sus tres hijos. Por otro lado, Jillian Guiler (Melinda Dillon) también sufre la extraña obsesión de Ray, sobre todo tras haber presenciado la abducción de su hijo Barry (Cary Guffey). Ambos no cesan de dibujar extraños bocetos y hacer maquetas de una extraña montaña que no abandona sus pensamientos. Finalmente, Ray consigue localizar la montaña tras verla en un programa de televisión, encaminándose rápidamente hacia ella, donde asistirá uno de los sucesos más maravillosos que jamás se hayan visto.

Antes de nada, nada más terminar la película, nos quedamos un regusto agridulce (al menos en mi caso) que nos invita a reflexionar sobre lo sucedido, como si nosotros mismos hubiéramos encarnado el personaje de Neary, obligándonos a preguntarnos repetidamente si habríamos hecho algo más para mantener la familia unida, si dejaríamos de lado nuestros sueños recurrentes o si nos pensaríamos mejor el hecho de subir o no a aquella nave. Y es que no hay que olvidar que Encuentros en la tercera fase es en su totalidad una película agridulce, un film que nos rescata de la rutina y la sensatez, entregándonos bandeja en mano una oportunidad, un sueño místico, una gran y rotunda respuesta a todas las grandes preguntas. El film es una historia humana sobre la aceptación y la redención protagonizada por un ciudadano medio que no comprende que es lo que sucede a su alrededor, de ahí su obsesión por los OVNIs y su errante comportamiento.


Y destaca sobre todo el carácter místico que Spielberg infiere en el film con respecto a la ufología. No hay más que fijarse en las multitudes agolpadas en las montañas esperando el avistamiento, como si fuera una religión, como si esperaran al segundo advenimiento de Cristo. La búsqueda personal y el viaje interno que experimentan los personajes se refleja en el espejo del cosmos, esperando lograr una respuesta que dé sentido a los sucesos que les han envuelto durante las últimas semanas, zarandeando las creencias preestablecidas y la concepción del mundo que tenían antes de los encuentros. Curiosamente, parece que Spielberg vive con las mismas pesadillas recurrentes que sufren sus personajes, ya que Encuentros en la tercera fase es una película que es incapaz de dejar en paz, habiendo realizado dos nuevas versiones en las que varia el final. Según el propio Spielberg: “Cuando era joven siempre quise saber que es lo que se escondía ahí adentro, habría entrado a la nave sin pensármelo. En cambio, ahora que ya tengo una familia, mi punto de vista ha cambiado y el final de la película no me parece nada lógico, ya que no habría abandonado a mi familia bajo ningún concepto.” Esta premisa le acompañará en adelante, convirtiéndose en el centro de la mayoría de sus películas, enfatizando los valores de los lazos familiares y tornando su cine hacia el camino de la previsibilidad y el conformismo (para que negarlo).


Pero hubo un Spielberg joven y valiente que plantó cara a los dinosaurios de la industria con un film repleto de esperanza y rebosante de optimismo. Entre la maleza, se erigió un director empecinado en maravillar al mundo, obcecado en hacer un film de ciencia ficción en el que los extraterrestres no atacaran a la tierra, convirtiéndolo en una oda a los sueños y a lo desconocido. El ejemplo sería el último acto, una gran pieza de casi 30 minutos donde Spielberg y Williams deslumbran al mundo del cine con una continuación de imágenes que no se veían desde 2001: Una odisea del espacio (1968). La clave, como siempre, reside en la música, tratada como idioma universal mediante el cual se pueden comunicar las culturas del espacio. La originalidad de la secuencia, junto con la belleza de las notas musicales que Williams compuso para el film, terminaron por establecer el film como un icono de la ciencia ficción.

Si bien el ritmo ‘in crescendo’ del film nos pega a la butaca mientras aumenta nuestra espectación y curiosidad hacia el esplendoroso final, el lastre psicológico del protagonista nos vuelve intranquilos y un tanto impacientes, incluso me atrevo a decir que la excesiva recreación de Spielberg en la tragedia de Roy ralentiza y mina el ritmo de la película. Aún así, el final es equivalente asistir a un espectáculo de fuegos artificiales, su extrema belleza y la grandilocuencia de las imágenes disipan cualquier duda sobre la calidad de la película, demostrando la buena racha de Spielberg con su tercer superéxito, bautizándolo como el nuevo Rey Midas de Hollywood.

Pentatónica maravilla.

- Os dejo con la mítica secuencia de la conversación musical. -

Crónicas de Tannhäuser: Cuenta conmigo

“Nunca he vuelto a tener tan buenos amigos, como los que tuve cuando era niño”

Gordie Lachance, Cuenta conmigo.

Escribir sobre cine clásico te obliga a girar la cabeza hacia atrás y observar fijamente el pasado hasta provocarte una terrible tortícolis emocional. De todos modos, es un mal purificador, una especie de catarsis que me aleja del mundo durante al menos un par de horas. Pero todo depende de la película de la que se esté hablando. En este caso, Cuenta conmigo no sólo te guía la mirada hacia la década de los ochenta, sino que también te envía frente al espejo, te pide que te mires en él y que reflexiones sobre lo que querías ser y eres hoy en día, te invita a rememorar los episodios que más te marcaron en tu infancia y te recuerda que en tu interior siempre habitará ese niño curioso que anhelaba vivir decenas de aventuras con sus amigos y quien sabe, salir algún día en televisión.

Seguramente a muchos de vosotros se os esboce una sonrisa nada más leer el título del film. Cuenta conmigo representa para la generación de los setenta y los ochenta una película que consiguió atrapar el espíritu de la adolescencia como pocas lo hayan hecho, un film que nos habla de la importancia de la amistad mediante una aventura, o mejor dicho, una tremenda travesura de un inseparable grupo formado por cuatro amigos.

La historia se extrajo de una novela de Stephen King llamada The Body (1982). Raynold Gideon y Bruce A. Evans se encargaron de adaptarla para la gran pantalla manteniendo el espíritu de la novela original que, sin caer en la sensiblería barata, nos relata una aventura llena de sensibilidad, una oda a la amistad con un alto nivel de melancolía. Rob Reiner, cómico americano que se había aventurado a la dirección varios años antes con comedias como This Spinal Tap o Juegos de amor en la universidad, fue el encargado de llevar el guión de King a la pantalla, dando así un salto hacia el drama y de madurez en su filmografía. Reiner contó con un “mísero” presupuesto, de hecho, habían pocas esperanzas con respecto a la recaudación del film, incluso estuvo al borde de ser cancelada. No obstante, se confiaba en el tirón que estaba teniendo Stephen King dentro de la industria de Hollywood.

Contra todo pronóstico, la película ganó el Oscar al mejor guión (1986) y fue el inicio de una exitosa carrera por parte de Rob Reiner que le llevó a dirigir películas como La princesa prometida, Cuando Harry conoció a Sally, Misery o Algunos hombres buenos. Cuenta conmigo se convertiría en la undécima película basada en una novela de Stephen King, sin duda, el escritor más prolífico del siglo XX.


La trama se desarrolla en el verano de 1959. Gordie Lachance (Wil Wheaton) es un adolescente de doce años que se reúne con sus amigos en la cabaña a la que suelen acudir habitualmente. Ellos son Chris Chambers (River Phoenix), Teddy Duchamp (Corey Feldman) y Vern Tessio (Jerry O’Conell). Tras discutir lo que harán ese mismo día, Vern les informa de que ha oído a unos jóvenes hablar sobre el lugar donde reposa el cadáver de Ray Brower, un chico de su misma edad que había desaparecido días antes. Tras discutirlo, deciden ir a buscarlo a espaldas de sus padres para así ayudar a la policía y salir en televisión. El viaje significará un cambio en cada uno de ellos, dándose cuenta de que han finalizado una etapa de sus vidas, que con el tiempo dejarán atrás a sus amistades y el pueblo en el que viven para labrarse el futuro, luchar por sus sueños.

La aventura simboliza la entrada a la adolescencia, la asunción del paso de los años, del fin de las amistades y de los cambios en uno mismo. Cada uno de los personajes tiene una historia, una biografía que le delimita como persona, un proyecto de lo que serán en un futuro. Chris Chambers vive en una familia de alcohólicos y delincuentes. Su actitud frente a la vida y los que le rodean es muy desafiante, sin embargo, todo es una fachada que esconde las debilidades que aguardan en su interior. Su amigo más cercano y protagonista, Gordie, se da cuenta del potencial de Chris y de la nobleza de su espíritu, cosa que se encarga de recordarle durante todo el transcurso del film. Gordie, por otro lado, es un chico popular en su grupo con un talento innato a la hora de contar historias, por contra, sufrirá el rechazo de su padre que aún no ha superado la muerte de su otro hijo (y hermano de Gordie) Denny (John Cusack). Teddy Duchamp es el más perturbado de los cuatro, también el más excéntrico y de conducta más errante, consecuencia de las múltiples palizas que recibió de su padre. Finalmente nos topamos con Vern, el más retraído e inseguro que sufre de un leve sobrepeso y es considerado el cobarde del grupo.

Particularmente, mantengo la idea de que Cuenta conmigo es un relato muy similar al de It (Eso) en el aspecto simbólico que comparten con respecto al paso entre la infancia, la adolescencia y la edad adulta (salvando las diferencias). En ambas tenemos a un grupo de amigos que deben vencer sus miedos e inseguridades a muy temprana edad, una vez superados madurarán como personas y tendrán las armas necesarias para afrontar la vida que tienen ante sí. Obviamente, son géneros diametralmente opuestos y en Cuenta conmigo se manifiesta de una manera más inocente y sutil, dando mucho peso a la amistad y al recuerdo desde un prisma inocentemente nostálgico, como un viaje de aprendizaje y conocimiento.

El flashback, narrado en primera persona por Gordie, ahora un exitoso escritor (típico de Stephen King), nos cuenta la historia a medida que la va escribiendo el propio protagonista. Sin duda, el recuerdo de Gordie se ha visto distorsionado por la voluntad de escribir una gran obra, transformando el viaje en una alegoría, dotándolo de un cuerpo del cual carecía originalmente y de un mensaje inherente a la historia que nos alenta a continuar adelante y a sobrepasar los obstáculos que se pondrán ante nosotros. Al fin y al cabo, el cadáver es la excusa, es el morbo de ver a un muerto por primera vez, la excitación por salir en televisión, las ganas de ser el chico más popular del pueblo.


Un párrafo especial merece un elenco de actores que se convertirían en futuras estrellas y es que como en los ochenta, no ha habido otra época tan rica en jóvenes estrellas. Arrancando con Wil Wheaton, el protagonista, que tuvo una exitosa carrera en televisión, sobre todo en la serie de Star Trek Next Generation y actualmente ha hecho varias apariciones en The Big Bang Theory. Por otro lado, el mítico Corey Feldman, que junto con el recientemente desaparecido Corey Haim monopolizaron el cine adolescente de la segunda mitad de los ochenta con títulos como Papá Cadillac o Jóvenes ocultos, eso sí, sus apariciones más recordadas serán la de Los Goonies y Gremlins. Jerry O’Conell tuvo un éxito tardío, aunque destacan en su filmografía películas como Scream 2 o Jerry Maguire. Por otro lado tenemos la breve interpretación de Richard Dreyfuss y de unos jovencísimos Kiefer Sutherland (Jóvenes ocultos, 24, Algunos hombres buenos y Línea mortal) y John Cusack (Cómo ser John Malkovich, Alta fidelidad y 1408), estos ya ni hace falta que los presente.

Para cerrar el telón, haremos una mención especial de River Phoenix (hermano de Joaquin Phoeanix), juguete roto de Hollywood que murió por sobredosis siete años después del estreno de esta película, en 1993, a la edad de 23 años. Su figura y su éxito acabaron por consumirle, seguramente fuera una de las estrellas más fugaces de la historia de Hollywood junto con James Dean. En su carrera hay célebres títulos como Mi Idaho privado, Los fisgones (Sneakers) o Indiana Jones y la última cruzada. Casualmente, el “chico póster” desapareció al igual que lo hace en la película, ya que es el único personaje del cual tenemos constancia de su muerte (muy temprana por cierto) al finalizar el film.

Todos tendremos en el recuerdo los veranos que pasamos en nuestra infancia y adolescencia. Nuestro primer beso, nuestra primera escapada en bicicleta y las innumerables travesuras que hacíamos sin que nuestros padres supieran nada (o eso nos hacían creer). No estoy completamente seguro de ello pero quizá, sólo quizá, muchos chicos de hoy no puedan entender esta película. La mayoría de ellos no tendrán las rodillas rasgadas, ni volverán sucios y cansados a casa tras una extenuante tarde de juegos. Espero equivocarme porque en mi cabeza aún recuerdo esas tardes anaranjadas junto a mis amigos, en el bosque, rodeados por el sonido del viento y las chicharras, fumándonos nuestros primeros cigarrillos, con la única responsabilidad de volver a la hora acordada a nuestras casas, donde sin falta nos esperaba un plato de comida para recuperar fuerzas.

Rememoremos aquellos días de verano.