Drama de cine (2)

Hoy volvemos con una segunda parte cargada de películas históricas en el género del Drama. Sabemos que muchos títulos se nos quedan atrás, así que esperemos que os guste nuestra elección.

 

 Gandhi

(Richard Attenborough, 1982)

La historia biográfica de Mahatma Gandhi, desde los años en Sudáfrica, donde como joven abogado formado en Inglaterra defiende los derechos de los hindúes residentes en ese país, hasta su regreso a la India, donde predica una resistencia no violenta contra los ingleses. Junto con otros líderes nativos lleva a la India finalmente a la independencia.

La película fue dirigida por Richard Attenborough y protagonizada por Ben Kingsley como Gandhi. Tanto Attenborough como Kingsley ganaron el Oscar por su trabajo en la película. El film también recibió el Oscar a la Mejor Película y ganó ocho premios de la Academia en total.

Antes de esta película, hubo dos intentos fallidos de llevar al cine la historia de Gandhi. En 1952, Gabriel Pascal llegó a un acuerdo con el Primer Ministro de la India, Pandit Nehru, para producir una película de la vida de Gandhi. Sin embargo, Pascal murió en 1954 antes de que se terminaran los preparativos. Más tarde David Lean y Sam Spiegel planeaban hacer una película sobre Gandhi después de terminar El puente sobre el río Kwai (1957), pero el proyecto fue abandonado a favor de Lawrence de Arabia (1962).

El club de los poetas muertos

(Peter Weir, 1989)

Narra el encuentro de un profesor de literatura con un grupo de estudiantes durante 1959 en una prestigiosa y conservadora academia. A través de la poesía, el profesor inspira un cambio en las vidas de sus alumnos.  

El club de los poetas muertos fue dirigida por Peter Weir y escrita por Tom Shulman. Estuvo protagonizada por Robin Williams, Ethan Hawke, Robert Sean Leonard y Dylan Kussman.

El film ganó un Oscar al mejor guión original. En 1991 se publicó una adaptación del guión original, en forma de novela, escrita por la ex-reportera y editora Nancy H. Kleinbaum. La historia está ambientada en la ficticia Academia Welton en Vermont, y fue filmado en la Escuela de San Andrés en Middletown, Delaware.

Los puentes de Madison

(Clint Eastwood, 1995)

En el verano de 1965, Francesca una ama de casa se encuentra sola, ya que su marido y sus hijos están ausentes en la Feria del Estado de Illinois, durante este tiempo, conoce y se enamora de un fotógrafo que ha venido a Madison County, Iowa, para hacer un ensayo fotográfico para National Geographic sobre los puentes cubiertos de la zona. Los cuatro días que pasan juntos son un punto crucial en su vida.

Los puentes de Madison (The Bridge of Madison County, título original), es un drama romántico basado en el best-seller de Robert James Waller. La película fue producida, dirigida y protagonizada por Clint Eastwood. El guión fue adaptado por Richard LaGravenese. El film junto a Eastwood está protagonizado por Meryl Streep, que fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz en 1996.

Entre el libro y la película hay algunas diferencias, por ejemplo en el film Francesca es de Bari, mientras que en el libro es de Nápoles. La cinta fue producida por Amblin Entertainment y Producciones Malpaso, y distribuida por Warner Bros. También obtuvo dos nominación es en los Globos de Oro y una nominación César.

El paciente inglés
(Anthony Minghella, 1996)

 

Finales de la Segunda Guerra Mundial, en un monasterio semidestruido y abandonado, Hanna una enfermera cuida de un paciente totalmente quemado por un accidente sufrido en África. El estado del hombre es terminal y la morfina es lo único que lo aleja de un dolor extremo. Hanna entre cuidados, conocerá la trágica vida de su paciente.

El paciente inglés es una película británica de 1996 dirigida por Anthony Minghella y basada en la novela homónima título de Michael Ondaatje. Protagonizada por Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Willem Dafoe y Kristin Scott Thomas.

En la gala de los Oscar de 1996, la cinta fue nominada en doce ocasiones y ganó nueve estatuillas. En 1997 fue premiado con dos Globos de Oro y seis premios Bafta. La película fue rodada en Túnez.

Match Point

(Woody Allen, 2005)

Chris Wilton es un tenista profesional retirado de origen irlandés, que encuentra trabajo como profesor de tenis en el seno de una familia adinerada. El azar, la ambición y la pasión guiarán sus acciones.

Match Point fue dirigida por Woody Allen y estrenada en 2005. La cinta está protagonizada por Scarlett Johansson, Jonathan Rhys-Meyers, Emily Mortimer, Matthew Goode y Brian Cox.

Allen rodó el film en Inglaterra y no en New York, la principal protagonista presente en la mayoría de los títulos de su filmografía. Su anterior película filmada en Europa, Love and Death, fue en 1975. La banda sonora de toda la película se compone básicamente de arias de ópera como Una Furtiva Lacrima, de Gaetano Donizetti, y hace algunas referencias a obras como La Traviata.

Drama de cine (1)

Se acerca el final del El verano de los géneros y esta penúltima semana se la vamos a dedicar como ya sabéis al Drama, un género bastante amplio, esperemos que os guste nuestra elección.

 

Lo que el viento se llevó

(Victor Fleming, 1939)

Mediados del siglo XIX. Scarlett O’Hara una bella joven caprichosa y pasional, vive en una de las grandes mansiones del sur de los Estados Unidos rodeada de esclavos negros y todo tipo de lujos. Ella está enamorada de Ashley Wilkes, pero él  está comprometido en matrimonio con su prima, Melanie Hamilton, una dulce y cariñosa mujer. En la última fiesta acontecida antes de estallar la Guerra de Secesión, Scarlett conoce al simpático y apuesto Rhett Butler, un arrogante y aventurero vividor que no cesará en su empeño de lograr el amor de Scarlett.

Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind, en inglés) es una película dirigida por Victor Flemign autro de obras como El Mago de Oz o Dr. Jekyll y Mr Hyde. La cinta está basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell (ganadora de un Premio Pulitzer). El film es una de los más premiados de la historia cinematográfica con 11 Oscar a sus espaldas. La película está protagonizada por Clark Gable como el aventurero Butler, Vivien Leigh en el papel de Scarlett, Leslie Howard como Ashley y Olivia de Havilland interpreta a la prima Melanie. 

David O. Selznick productor fue él quien quiso que la película se hiciese a color, también el que introdujo diálogos famosos como el de la última frase de Rhett o las primeras palabras del comienzo y fue quien eligió a los actores para los diferentes roles, sobre todo el de Scarlett.

Es curioso saber que el rodaje duró aproximadamente 125 días y que para el incendio en Atlanta se quemaron los decorados del clásico King Kong a modo de edificios ardiendo. Además, en la escena de la quema de Atlanta, cuando Rhett y Scarlett huyen en un coche de caballos, Scarlett lleva la cara tapada porque esa actriz no era realmente Vivien Leigh. Llevaban tanto tiempo buscando a la actriz principal que decidieron empezar a rodar alguna escena sin ella.

Las uvas de la ira

(John Ford, 1940)

La historia se centra en una familia de granjeros de Oklahoma, Tom y Ma Joad, ubicada en la década de los 30 que tras el crack del 29 son expulsados de su tierra y tienen que emigrar a California. Realizan un duro viaje en un viejo Ford, pasando por diversas dificultades dándose cuenta, que en lo creían como un paraíso no lo era.

Las uvas de la ira (The Grapes of Wrath, título original) es un film dirigido por John Ford en 1940 y basada en la novela homónima ganadora del Pulitzer de John Steinbeck. 

Protagonizada por Henry Fonda, Jane Darwell y John Carradine entre otros.  La película fue nominada en 7 ocasiones y obtuvo dos Oscar: uno para el Mejor Director, John Ford y otro para la Mejor Actriz, Jane Darwell. 

Por otro lado, la novela presenta un discurso social que ponía en duda al espectador, de si Ford era la persona más indicada para encargarse de esta adaptación, ya que en su filmografía había obras con un tono más conservador. Sin embargo, la película reflejaba una situación bastante parecida a la que tuvo que pasar la familia de Ford en la Gran Hambruna irlandesa. Por este motivo, Ford puede que eligiera este título, centrándose en la familia y suavizando el mensaje social y político.

Cuentos de Tokio

(Yasujirō Ozu, 1953)

Cuentos de Tokio narra la historia de unos padres ancianos, originarios de Onomichi, que visitan a sus hijos residentes en Tokio. Los primeros, provenientes del Japón rural, son rechazados en cierta medida por sus hijos. La humanidad evoluciona tan rápidamente que entre las generaciones se origina un abismo que las mantiene incomunicadas entre sí.

Cuentos de Tokio (Tokyo monogatari, título original) es una película japonesa dirigida el año 1953 por el Yasujirō Ozu. Como director era reconcentrado y perfeccionista. Su plano característico era tomado desde solamente unos 90 centímetros sobre el suelo, el punto de vista de una persona sobre un tatami. También fue un firme defensor de la cámara estática y las composiciones meticulosas donde ningún actor dominase la escena.

El guión fue desarrollado por Yasujiro Ozu y su antiguo colaborador Kogo Noda durante un período de 103 días en una posada de campo en Chigasaki. Ozu usó el mismo equipo de filmación y los actores que habían trabajado durante muchos años con él y los temas de la película fueron similares a los temas de sus otras películas. 

Doctor Zhivago

(David Lean, 1965)

En la revolución de 1917, Rusia. Yuri Zhivago es un médico y poeta que lucha por sobrevivir. Su vida está trastornada por la guerra que afecta a las vidas de otros muchos incluida Tonya, la mujer con la que se casa y Lara su amante

Doctor Zhivago es una película estadounidense de 1965, dirigida por David Lean y basada en la novela Doctor Zhivago, de 1957, del escritor ruso Boris Pasternak (Premio Nobel de Literatura 1958). Protagonizada por Omar Sharif en el papel de Yuri Zhivago, Geraldine Chaplin como su mujer Tonya y Julie Christie interpreta a Lara su amante. Además, fue ganadora de 5 Oscar en 1965 y en 1966, fue tambien premiada con 6 Globos de Oro.

Se rodó en España, más concretamente en Madrid y Soria. En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto, en donde construyeron un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado. También se rodó en la Estación de Delicias. En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso.

Kramer contra Kramer

(Robert Benton, 1979)

Ted Kramer es un hombre que antepone su trabajo a su familia. Su esposa Joanna no resiste más esta situación y le abandona. Ted se ve ahora ante la necesidad de ocuparse de la casa y, sobre todo, de su pequeño hijo. Después de un tiempo, cuando Ted ya se desenvuelve bien solo, Joanna regresa y reclama la custodia del niño. Sin embargo, Ted no está dispuesto a separarse de su hijo, de manera que Joanna lleva el asunto ante los tribunales, donde deberá decidirse quién de los dos obtendrá la custodia del hijo.

El film fue escrito y dirigido por Robert Benton y protagonizado por Dustin Hoffman y Meryl Streep y junto a ellos, Justin Henry, Jane Alexander, George Coe y Howard Duff. La película está basada en la novela homónima de Avery Corman.

Antes de seleccionar a Dustin Hoffman, los productores habían considerado darle el papel a Al Pacino. Por su parte, Jane Fonda rechazó el papel interpretado finalmente por Meryl Streep. Cabe destacar, la fotografía de Néstor Almendros que utilizó en los interiores luz cenital y en los exteriores la luz disponible para las tomas.

 

El verano de los géneros: DRAMA

El drama resulta un género tan amplio que resulta difícil delimitarlo y, por tanto, definirlo. Todos coincidimos en que temas como la drogadicción, el racismo, la intolerancia religiosa, la pobreza, el crimen o la corrupción son dramáticos. Pero, ¿qué es el drama exactamente? ¿Un cajón de sastre en el que metemos todas aquellas películas que no sean comedia, thriller, terror, acción, ciencia ficción o western?

Os decimos la verdad: no nos sentimos capaces de responder a esta pregunta, pero estamos de acuerdo en una cosa. Por contraposición con la acción, donde el enfrentamiento es físico, en el drama destacan los sentimientos. Además, todas las películas pueden incluir elementos dramáticos, pero si éstos sobresalen, entonces hablamos de drama. En televisión es distinto, clasificamos en drama aquéllo que no es comedia.

¿Os ha quedado un poco más claro? Tranquilos, a nosotros tampoco, pero quizás viendo su evolución histórica consigamos llegar a alguna conclusión.

Desde los inicios del cine y hasta los años 50, los dramas fueron entendidos y proyectados desde el punto de vista pedagógico. Las uvas de la ira (John Ford, 1940), por ejemplo, muestra los efectos de la depresión que asoló Estados Unidos en los treinta.  No obstante, ya en estos años se producen dramas románticos como Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939). Antes de ellos, eran los melodramas los que colmaban los cines.

En estos años, el drama se centra fundamentalmente en los personajes. Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, 1950) se centra en las relaciones entre hombres y mujeres y Rebelde sin causa (Nicholas Ray, 1955) en la angustia de ser adolescente. En Asia, algunos de los dramas más destacados se dan en estos años, como Tokyo Story (Yasujiro Ozu, 1953) o  Los siete samuráis (Akira Kurosawa, 1950).

Durante los sesenta, destacan los dramas bélicos como El juicio de Nuremberg (Stanley Kramer, 1961) o El mensajero del miedo (John Frankenheimer, 1962). En la siguiente década, la de los setenta, es en la que empiezan a sobresalir los nombres de los grandes directores actuales: Francis Ford Coppola con El Padrino (1972), Martin Scorsese con Taxi Driver (1976) y Malas calles (1973).

Sylvester Stallone, además, creó el drama deportivo con más éxito de la historia, Rocky (1976). También la guerra recobra su protagonismo en la gran pantalla con títulos como Patton (Franklin J. Schaffner, 1970) o Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979).

Los ochenta son años en los que, precisamente, se reactiva el componente emocional de los filmes dramáticos, como ocurre en El color púrpura (Steven Spielberg, 1985). Aún así, los temas bélicos se mantienen en la cartelera y se realizan producciones como Platoon (Oliver Stone, 1986). También se producen romances como el de Oficial y caballero (Taylor Hackford, 1982).

La década de los noventa sirve para que se produzcan dramas de todo tipo con títulos conocidos por todos como La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993), Philadelphia (Jonathan Demme, 1993), Leyendas de pasión (Edward Zwick, 1994), Los puentes de Madison (Clint Eastwood, 1995), Sentido y Sensibilidad (Ang Lee, 1995) El paciente inglés (Anthony Minghella, 1996), El indomable Will Hunting (Gus Van Sant, 1997), La vida es bella (Roberto Benigni, 1997) o American Beauty (Sam Mendes, 1999), entre muchos, muchísimos otros. Sin duda, una década que permanece en nuestra memoria y que marcó a toda una generación.

En los últimos diez años, se han puesto muy de moda los biopics o películas biográficas con producciones tales como Pollock (Ed Harris, 2000), Ali (Michael Mann, 2001), Frida (Julie Taymor, 2002), Ray (Taylor Hackford, 2004) o Mi nombre es Harvey Milk (Gus Van Sant, 2008). Además, el drama se introduce en películas épicas como Gladiator (Ridley Scott, 2000) y otras bélicas como Pearl Harbor (Michael Bay, 2001) y, aunque los dramas románticos parecen haber decaído últimamente, títulos como Brokeback Mountain (Ang Lee, 2005) consiguen traer aire fresco al género.


Como podéis ver, no nos equivocábamos al principio. El drama es uno de los géneros cinematográficos más extensos y más difíciles de delimitar, por eso esta semana, más que nunca, os pedimos paciencia. Por supuesto, aceptaremos todas vuestras sugerencias.

Crónicas de Tannhäuser: Barry Lyndon

“Fue durante el reinado de Jorge III cuando los antedichos personajes vivieron y disputaron; buenos o malos, hermosos o feos, ricos o pobres, todos son iguales ahora.”

Epílogo de Barry Lyndon

Así finaliza Barry Lyndon. Recuerdo la primera vez que leí este epílogo, tras ello, volví al menú del DVD y puse la película de nuevo.

Corría el 2006 cuando asistía a una clase de teoría de la imagen en la universidad donde el profesor, dado mucho a irse por las ramas y perder el hilo de la clase, nos contó una historia sobre un amigo suyo que tuvo la oportunidad de trabajar con Stanley Kubrick durante la preproducción de Napoleón. Dicho amigo le comentó en su día todas las excentricidades y peculiaridades del director, entre las cuales, la más molesta e irritante eran las innumerables llamadas que recibía a altas horas de la madrugada para explicarle las nuevas ideas que había tenido para el guión, la producción o el elenco del que querría disponer. Kubrick no alcanzó su sueño y Napoleón quedó como una de tantas otras producciones que nunca se llegaron a realizar.

Sin embargo hay un antecedente, éste se encuentra en 1975, toma el nombre de Barry Lyndon y fue uno de los fracasos más importantes de Kubrick (a pesar de haber ganado 4 Oscars). Tras los éxitos cosechados con La naranja mecánica y con 2001: Una odisea del espacio, Kubrick afrontaba un nuevo reto cinematográfico al proponerse la gesta de crear un “documental del siglo XIII”; para ello se fijó en una novela llamada The Luck of Barry Lyndon que trata sobre el ascenso y la caída de un codicioso irlandés con una ambición desmesurada que recuerda mucho a Rojo y negro de Stendhal (más por su trama que por su calidad literaria).

La empresa de Kubrick era cuanto menos complicada (por no decir casi imposible), su excesivo perfeccionismo y sus obsesiones le llevaron al punto de modificar una cámara Mitchell para encajar en ella unos objetivos hiperluminosos de los que sólo disponía la NASA. Todo esto fue por consecuencia de la voluntad de Kubrick por captar perfectamente la luz de la época haciendo que la fotografía del film se basara en la iluminación natural y la luz emitida por las velas o candelabros que protagonizarían sobre todo las escenas de interiores. Esto tuvo sus consecuencias para los actores, de hecho, Marisa Berenson (Lady Lyndon) declaró: “Durante el rodaje debíamos permanecer completamente quietos o sino saldríamos de foco”.


Esto quizás fuera un problema en un principio pero pronto se convirtió en la característica más importante del film dotándolo de un aura mágica más cercana a la pintura que al cine, ésto, unido a la oscarizada y perfectamente escogida banda sonora que incluye piezas desde Schubert hasta Bach, pasando incluso por El barbero de Sevilla, junto con el perfecto (casi insultantemente perfecto) trabajo fotográfico anteriormente detallado y llevado a cabo por John Alcott y sin olvidarnos del colosal trabajo artístico dirigido por Roy Walker hacen que cada plano de la película se convierta en una obra de arte.

Por otro lado, tras su estreno se convirtió en una de las películas peor valoradas del controvertido director. Tanto la crítica como el público les dieron la espalda aferrándose sin faltos de razón a su lento ritmo narrativo, sobre todo al compararse con la anterior película de Kubrick, La naranja mecánica.

Sin embargo el tiempo ha pasado y Barry Lyndon ha ido cobrando cada vez más fuerza hasta el punto de situarse como uno de los films más importantes del director y para muchos es una de las obras que simbolizan la excelencia cinematográfica gracias a su ritmo aposentado y su brillante realización.


Tras el discurso del profesor decidí pasarme por la mediateca de la universidad con la pretensión de llevarme a casa la última película de Kubrick que me faltaba por ver, creo que nunca olvidaré esos zooms interminables ni esa inmisericorde voz en off que nos narraba las aventuras y desventuras de Redmond Barry.

Alabada por muchos y defenestrada por otros, Barry Lyndon es un film que no deja a nadie indiferente, una joya avanzada a su tiempo llena de una inusitada sensibilidad al alcance sólo de unos pocos elegidos.