El cine de 2010, mes a mes

Si ayer nos sirvió para revisar lo mejor que nos ha traído a la televisión el año 2010, hoy queremos centrarnos en los principales estrenos de cine que han tenido lugar este año, haciendo un breve repaso mes a mes de cómo lo hemos vivido nosotros. ¿Preparados? ¡Allá vamos!

ENERO: El año empezaba con grandes historias como la de La cinta blanca (Michael Haneke), con reconocimientos alrededor de todo el mundo.Fue un mes de pequeñas producciones como Ricky (François Ozon) y de otras más comerciales como Up in the Air (Jason Reitman) o la oscarizada En tierra hostil (Kathryn Bigelow).

FEBRERO: Mes de Goyas, Oscars y otros premios, siempre lo decimos; la época perfecta para estrenar Un hombre soltero (Tom Ford), con su protagonista Colin Firth nominado al Oscar como Mejor actor; Una educación (Lone Scherfig) o Un profeta (Jacques Audiard). También Precious (Lee Daniels), una de las revelaciones del año, llegaba a España junto a otro de los títulos más esperados: el Shutter Island de Martin Scorsese.

MARZO: Con la entrega de los premios Oscar a la vuelta de la esquina, se estrenaba en España Crazy Heart (Scott Cooper), por la que Jeff Bridges se alzó con la estatuilla al Mejor actor. También se estrenaban Los hombres que miraban fijamente a las cabras, la película que hasta ahora ha dado más entradas a este blog, y El escritor (Roman Polanski), que recientemente barrió en los EFA. En cuanto al cine español, Emilio Aragón se estrenaba como director con Pájaros de papel.

ABRIL: Al fin llegaba a nuestros cines Ciudad de vida y muerte, la aplaudida cinta del director Lu Chuan; la esperadísima Alicia en el país de las maravillas (Tim Burton), el maravilloso documental de Océanos (Jacques Perrin y Jacques Cluzaud) o la cursi Perdona si te llamo amor (Federico Moccia).

MAYO: Grandes producciones como Robin Hood (Ridley Scott) y otras de presupuesto mucho menor como las nórdicas Aurora Boreal y Reykjavík-Rotterdam (Arnaldur Indridason) o la griega Canino (Giorgos Lanthimos).

JUNIO: Como siempre, pocos títulos que nos interesen en este mes. Fijamos nuestra atención en El retrato de Dorian Gray (Oliver Parker), Villa Amalia (Benoît Jacquot) y el necesario documental The Cove (Louie Psihoyos). También se estrena la apuesta de Carlos Saura, Io, Don Giovanni.

JULIO: Las vacaciones las empezamos con la última aventura de Shrek y Toy Story 3. Completamente opuesta, otro estreno del mismo día como Nada personal (Urszula Antoniak). Otro buen título del mes fue Gainsbourg, de Joann Sfar. Además, muchas comerciales como El equipo A, Niños grandes o Noche y día.

AGOSTO: Afortunadamente, el verano nos trajo una de las películas que con más ganas esperábamos: Origen, de Christopher Nolan. No nos defraudó, como tampoco lo hizo la estupenda Phillip Morris ¡te quiero! (Glenn Ficara y John Requa), Mis tardes con Margueritte (Jean Becker) o Conocerás al hombre de tus sueños, la última de Woody Allen. Bueno, de ésta sí que esperábamos un poquito más.

SEPTIEMBRE: Entre los estrenos del nuevo curso, habría que destacar la española Lope (Andrucha Waddington), que como historia de aventuras a nosotros nos gustó; Submarino, de Thomas Vinterberg; y, cómo no, Carancho, la esperadísima película de Pablo Trapero con Ricardo Darín.

OCTUBRE: Con el décimo mes llegó a España Buried, cuyo director Rodrigo Cortés ha supuesto el descubrimiento del año; y Machete, el tributo a la serie B de Robert Rodríguez. También era el momento de Gru, mi villano favorito y otros éxitos como Los ojos de Julia (Guillen Morales), La red social (David Fincher), Copia certificada (Abbas Kiarostami), The Town (Ben Affleck)... y Che, un hombre nuevo, el documental de Tristán Bauer.

NOVIEMBRE, el mes del estreno de Entrelobos (Gerardo Olivares) y del Festival de Cine Europeo de Sevilla y Tamara Drewe (Stephen Frears). En estos días del año también llegaron al cine propuestas como La mosquitera (Agustí Vila), La bohème (Robert Dornhelm) o Poesía (Changdong Lee).

DICIEMBRE: Con el último mes del año han llegado a España películas de todo tipo, pero verderamente la que más hemos querido destacar ha sido Biutiful, cuyo eje no es otro que Javier Bardem. Sin él, el film no tendría la fuerza que transmite. También se han estrenado recientemente otras como Balada triste de trompeta (Álex de la Iglesia), El último bailarín de Mao (Bruce Beresford), la prescindible Bruc (Daniel Benmayor) y la inolvidable El discurso del rey (Tom Hooper), por la que quizás este año sí que gane el Oscar el actor Colin Firth.

¿Qué nos traerá el 2011? El lunes os esperamos y lo hablamos.

¡Que tengáis un feliz Año Nuevo!

Lo mejor de la televisión de 2010

Se acaba el año y toca repaso de lo vivido en este 2010. Es época de reflexión, de seleccionar qué nos llevamos con nosotros para el próximo año y qué queremos dejar atrás en el que, ya pronto, será "el año pasado". También son días de propósitos, de estudiar qué nuevos hábitos queremos incorporar a nuestras vidas y de cuáles queremos deshacernos. ¿Y en qué se traduce todo esto en el mundo de la televisión? Pues en una revisión de lo mejor que nos ha ofrecido este 2010, algo parecido a lo que hicimos hace un año.

GRANDES TEMPORADAS. Las dos primeras temporadas de Breaking Bad son magníficas de principio a fin, pero desde luego merecen la pena por llegar a la tercera y al cierre de la misma. El personaje de Bryan Craston se hace cada vez más grande, más complejo y la serie crece con él. Si hace un año nos tocaba elogiar a Dexter, este año es el turno de esta pequeña gran maravilla de la AMC.

GRANDES COMEDIAS. Aunque 2010 fuera el año de Modern Family, en De Cine y Series hemos descubierto recientemente lo ignorada que ha estado Community, una de las mejores comedias que en la actualidad nos ofrece la televisión de Estados Unidos. No os podéis perder sus capítulos a modo de películas de género (bélico, apocalíptico, zombies) ni las constantes referencias a otras series de televisión (The Wire, Lost, Friends, Entourage... ninguna se libra de ellas).

GRANDES DRAMAS. Indudablemente, no podemos dejar escapar esta oportunidad para recomendaros The Good Wife, de la que ya os estuvimos contando por qué nos parecía que iba mucho más allá del simple procedimental.

NUEVAS SERIES. ¡Podemos darnos por contentos! Este 2010 ha venido cargadito de buenas producciones y grandes series que nos han servido para amar la televisión un poquito más y recordarnos lo buena que puede llegar a ser. Boardwalk Empire no nos ha defraudado, The Big C nos ha maravillado, The Walking Dead no nos la esperábamos, Tremé ha sido tan buena como la pintaban... Nuestro deseo es que el 2011 sea, al menos, tan bueno como éste en lo que a nuevas series se refiere.

DESCUBRIMIENTOS OPORTUNOS. Tiene delito que no viéramos Entourage hasta meses antes de estreno de su séptima temporada, la que para nosotros ha sido la más floja de todas. La serie sigue la vida de Vincent Chase, una joven promesa de Hollywood, y su grupo de amigos, y nos muestra el modo de vida de Los Ángeles, donde todo el mundo está directa o indirectamente relacionado con la industria del cine. Su mayor baluarte quizás sea la cantidad de grandes nombres que han pasado por su plató: desde Martin Scorsese a Jessica Alba pasando por su creador, el actor Mark Wahlberg.

CANCELACIONES INJUSTAS. La más sonada de este año quizás haya sido la cancelación de Lone Star, una serie con un argumento apetecible y un buen planteamiento en sus primeros episodios que fue cancelada por no alcanzar las cotas de audiencia que su cadena, Fox, le exigía. De haberse emitido en las cadenas del cable, su desarrollo habría sido probablemente otro.

EL FINAL. Sin lugar a dudas, en esta selección de momentos de 2010 no podía faltar el final de Lost que tanto dio que hablar en su momento y que, todavía hoy, genera controversia entre sus seguidores. Tras una temporada regular en la que nos tendrían que haber revelado más de un secreto, Lost terminó de la mejor manera posible: haciendo un homenaje a sus personajes. A nosotros nos encantó que así fuera.

"Por ser como eres", el corto de Álvaro Fernández Armero para el Jameson Notodofilmfest

La semana pasada compartimos con vosotros el cortometraje que presentó en exclusiva Daniel Monzón para el Jameson Notodofilmfest. Por este motivo, hoy queremos hablar de otro título estrenado en este mismo festival, por otro director consagrado. Por ser como eres, es la cinta que ha presentado Álvaro Fernández Armero para esta novena edición, como uno de los miembros del jurado y es de la os queremos hablar hoy.

Armero ya tiene una clara experiencia en el mundo del cortometraje y el cine. Su primera cinta titulada El columpio, se estrenó en 1992 y ganó ese mismo año, el Goya a mejor cortometraje, el cual fue interpretado por Ariadna Gil y Coque Malla. En su filmografía encontramos títulos como Todo es mentira, y Nada en la nevera, el thriller El arte de morir, El juego de la verdad y su último largometraje Salir pitando. En los últimos años su trabajo se ha centrado en la televisión para la que ha dirigido, la tvmovie Alfonso, el príncipe maldito.

La cinta empieza con una chica sincerándose con su novio y dispuesta a dejarlo, aunque ocurre algo que cambia la percepción total del espectador. Los dos actores que participan son Alexandra Jiménez (Los Serranos, La pecera de Eva) y José Sánchez Orosa (Los ojos de Julia).

En boca del director: "Las relaciones de pareja siempre me han obsesionado, y desde luego han sido la base de todo lo que he escrito para cine. En el caso de Por ser como eres no podía ser una excepción. Me apetecía además establecer un pequeño juego con el espectador que ha supuesto un estímulo muy grande a la hora de escribirlo y dirigirlo".

Finalmente, os dejamos con el vídeo de  Por ser como eres, segunda película del jurado del Jameson Notodofilmfest, tras el estreno de Álex, dirigida por Cesc Gay e interpretada por Álex Brendemühl y que también os ofrecimos hace poco en De Cine y Series. Y antes que se me olvide, que la disfruteís.

Novedades del cable para la midseason

Continuamos esta semana con el repaso de las novedades que las cadenas estadounidenses nos traerán para este nuevo año. Tras hablar de la ABC y la NBC, hoy le toca el turno a las cadenas de cable, una apuesta casi siempre segura para encontrar series de calidad. Os presentamos sus principales apuestas para el mes de enero y os invitamos a consultar nuestro calendario para conocer el regreso de sus otras series.

Para la esperadísima Juego de Tronos de la HBO tendremos que esperar hasta el mes de abril y Wilfred, la serie protagonizada por Elijah Wood, quizás no lo haga hasta el verano. Permaneceremos atentos.

Shameless

(Paul Abbott)

Showtime. Frank Gallagher es el orgulloso padre soltero de seis hijos inteligentes, independientes y llenos de vida que sin él estarían... mejor, quizás. Los Gallaghers quizás no tengan mucho dinero ni dependendan de demasiadas reglas, pero saben quiénes son, y son, sin lugar a dudas, unos desvergonzados (Shameless). Por cierto, está basada en la serie británica del mismo nombre.

Más información: Tráiler | Web.

Fecha de estreno: 9 de enero.

Episodes

(David Crane, Jeffrey Klarik)

Showtime. Los guionistas Sean y Berverly, marido y mujer, no pueden esperar a llevar su exitosa serie de televisión del Reino Unido a los Estados Unidos, pero en Hollywood pronto se convierte en una sitcom llena de clichés protagonizada por Matt LeBlanc. Con Matt, ya serán tres los Friends que defiendan su propia serie de televisión este año. Además de él, Courteney Cox continúa con Cougar Town y Matthew Perry estrena Mr. Sunshine.

Más información: Tráiler | Web |Audición de Matt LeBlanc.

Fecha de estreno: 9 de enero.

Lights Out

(Warren Leight)

FX. Del creador de In Treatment, llega este drama acerca de un campeón de los pesos pesados del boxeo que lucha por encontrar su propia identidad y el apoyo de su mujer y sus tres hijas tras retirarse del ring para siempre. Los problemas económicos lo dejarán ante una peligrosa encrucijada al tener que decidir entre regresar al boxeo o aceptar un trabajo como un brutal e intimidante cobrador de deudas.

Más información: Tráiler | Web.

Fecha de estreno: 11 de enero.

Skins

(Jamie Brittain, Bryan Elsley)

MTV. Esta serie, adaptación de la británica del mismo nombre, sigue a un grupo de amigos del instituto y los problemas familiares o personales que puedan tener: familias disfuncionales, problemas mentales como desórdenes alimenticios, orientación sexual, el abuso de drogas y la muerte. Tony, Michelle, Stanley, Chris,Tea, Abbud y Daisy son sus protagonistas.

Más información: Tráiler | Web.

Fecha de estreno: 17 de enero.

Being Human

(Toby Whithouse)

SyFy. También basada en una serie británica con el mismo nombre, Being Human sigue a tres veinteañeros compañeros de habitación: un fantasma, un vampiro y un hombre lobo que luchan por mantener sus oscuros secretos alejados del resto del mundo y que se ayudan entre sí para llevar una doble vida.

Más información: Tráiler | Web.

Fecha de estreno: 17 de enero.

Fairly Legal

(Michael Sardo)

USA. La frustración de Kate Reed con el sistema legal la lleva a cambiar su carrera de abogada por la de mediadora. Gracias a su comprensión de la naturaleza humana, su conocimiento legal y su irónico sentido del humor, Kate es única resolviendo disputas... excepto cuando son las suyas propias.

Más información: Tráiler | Web.

Fecha de estreno: 20 de enero.

"La llave de Sarah", de Gilles Paquet-Brenner, estreno el 29 de diciembre

A principios de septiembre os ofrecimos las primeras imágenes y el teaser de La llave de Sarah (Elle s'appelait Sarah, título original) del realizador francés Gilles Paquet-Brenner y que está basada en la novela homónima de Tatiana de Rosnay.

Gilles es director y guionista, nacido en París. Su primer largometraje fue Les jolies choses con el que recibió numerosos premios, entre los que destaca el de la MPAA (Asociación Cinematográfica de Estados Unidos) al mejor guionista joven francés, título que le arrebató a Jack Valentí, en el Festival de Cine estadounidense de Deauville. Su segunda película fue Gomez & Tavares que para Variety fue "una magnífica película de acción con excelente reparto, y un trasfondo de misterio con una dosis perfecta de sorpresas, peleas y maravillosas escenas de acción" y UV un thriller psicológico.

La historia se centra en Julia Jarmond, periodista estadounidense residente en Francia durante los últimos veinte años, investiga sobre el doloroso suceso de la Redada del velódromo de invierno de 1942 en Francia. Al reconstruir los hechos, su camino se cruza con el de Sarah, una joven que en 1942 sólo tenía 10 años. Para Julia, lo que empezó siendo el tema para un artículo se convierte en un viaje personal que desemboca en un misterio familiar. ¿Cómo es posible que dos destinos, separados por más de 60 años, lleguen a cruzarse para revelar un secreto que acabará transformando por completo la vida de Julia y los que le rodean?  

La llave de Sarah es un thriller dramático protagonizado por Kristin Scott Thomas (Código 46, Gosford Park, El Paciente inglés, Misión Imposible, Cuatro bodas y un funeral) y por la jovencísima actriz Mélusine Mayance (Ricky).

El director comenta porque eligió a Kristin para el papel de Julia Jarmond: "En la vida real, Kristin se parece muchísimo al personaje de Julia Jarmond. De hecho incluso se asustó un poco, porque jamás había interpretado a nadie que se le pareciera tanto. Conocí a Kristin el día que Obama ganó las elecciones. Y ella, tal vez por las ganas de poder contar esa historia o por la euforia que se desencadenó en su país, dijo que sí. El compromiso de Kristin era fundamental para nosotros, no sólo por el tema económico, sino también por lo que podía aportarnos como actriz. En La llave de Sarah la vemos tal y como es de verdad, carismática, moderna, una mujer de su época. Su sobria interpretación y su clase consiguen alejar la película del sentimentalismo más puro. Como dice ella misma en la película, su personaje hace de consciencia del público: comprometida, pero con un inequívoco sentido de la propiedad".

"Y entonces empezó la aventura del rodaje. Conocer a Mélusine Mayance, que interpreta a Sarah, fue inolvidable. Todavía puedo verla mientras se me acercaba, con una estrella amarilla en el pecho y su carita y brillantes ojos. Mi Sarah! Fue un intenso momento, totalmente irreal. Y más tarde conocí a Kristin Scott Thomas, que es Julia Jarmond. Participe como extra en una de sus escenas, que es otro momento mágico que jamás olvidaré. Y luego el día que vi la película finalizada por primera vez, con Serge. Estaba asustada, temía que me decepcionara y que no consiguiera reconocer a mi Sarah. Los diez primeros minutos son como una neblina, porque no podía sacarme mi novela de la cabeza. Pero de repente entré en la película y me enamoré. Y al final, con la última escena, me invadió una increíble emoción y empecé a llorar. Sí, lloré". Comenta la escrito Tatiana de Rosnay.

Por otra parte, la película fue la encargada de clausurar la pasada edición del Festival de cine de San Sebastián y tuvo un gran éxito en la taquilla francesa, el pasado 13 de octubre. Finalmente, os dejamos con el tráiler de La llave de Sarah.

Crónicas de Tannhäuser: El Padrino (II)

“Tu paraíso era América.
Tenías tu negocio, la vida te iba bien, la policía velaba tu sueño con la ley y...
no me necesitabas. Pero ahora vienes a mi a decir <<¡Don Corleone, pido justicia!>>.
Y pides sin ningún respeto. No como un amigo. Ni siquiera me llamas padrino.
En cambio vienes a mi casa, el día de la boda de mi hija pidiendo que mate por... dinero.”

Don Vito Corleone, El Padrino.

“Creo en América”, tras estas primeras palabras que hacen de apertura del film, nos introducimos de lleno en la sombría familia Corleone. De origen siciliano y con Don Vito (Marlon Brando) como cabeza de familia, la familia se encargará de llevar varios negocios relacionados con el juego y la prostitución en la ciudad de Nueva York allá por 1946. Tras la soleada escena de la boda de su hija Connie (Talia Shire), Don Vito tendrá que tomar una decisión trascendental para el futuro de la familia; tomar parte en el incipiente negocio de las drogas o no. Poco más tarde Don Vito quedará malherido tras sufrir un tiroteo en pleno corazón de Little Italy, al parecer, la negativa de Don Corleone no había sentado bien al resto de familias. Mientras tanto, su hijo Sonny (James Caan) se encargará de llevar a la familia en ausencia de su padre. Con la ayuda de su consiglieri y “hermano”, Tom Hagen (Robert Duvall), intentarán asestar el último golpe al culpable del atentado contra su padre; Sollozzo (Al Lettieri). Mientras tanto Michael (Al Pacino), hermano menor de Sonny y que siempre había estado al margen de los turbulentos negocios que envolvían a la familia, se ofrecerá como voluntario para asesinar a Sollozzo y así vengar a su padre. Como consecuencia se iniciará una guerra entre las familias que se llevará a varios Corleone por delante. Michael se refugiará en Sicília durante una temporada y así tomará contacto con sus raíces, culminando así su particular metamorfosis mientras espera que las cosas se calmen al otro lado del charco. A su vuelta a América, Michael se encontrará con la familia al borde del abismo y tendrá por obligación recomponerla y poner punto final a la guerra.


Récord de récords

Se dice que el mismo día del estreno (15 de marzo de 1972), Coppola permanecía en su casa escribiendo como un loco el guión de El gran Gatsby (1974), más preocupado por su situación económica que por el funcionamiento en taquilla de El Padrino. Por lo visto, ni el estudio ni él creían que El Padrino, una película de tres horas de duración sobre la mafia, pudiera tener el tirón suficiente como para al menos llegar a los diez millones en taquilla. En definitiva, seis millones de dólares hicieron falta para llevar a cabo el film y 133 millones fue la respuesta del público. Por otro lado, los Oscar se rindieron a la obra de arte que Coppola había regalado al mundo, once fueron las nominaciones y tres las estatuillas que se llevaron; una al mejor guión adaptado, otra al mejor actor (Marlon Brando) y la última para la mejor película. Pese a la vacilante producción y el infernal rodaje, El Padrino rompió todos los récords de taquilla, dejando sobre la mesa no sólo una película inolvidable, sino una serie de trabajos que establecerían los fundamentos del cine de los setentas.

El descenso a los infiernos de Michael Corleone

El film es enorme, grueso, orondo al igual que su director, opulento en algunos momentos, sencillamente auténtico en otros. Se respira en él un profundo amor por el cine clásico, una vuelta a los orígenes a través de una dirección tan sobria como magistral. El Padrino es una obra épica sobre el patriarcado, América y la familia. Este Rey Lear del siglo XX, nos habla del ocaso de un gran líder que se enfrenta inevitablemente a los últimos días de su mandato. La senectud frente a un mundo en cambio constante apartan a Don Vito del camino, dando paso a sus sucesores, que al igual que en la obra de Shakespeare, es el menor de los tres hermanos el que acaba conquistando el trono. Aquí es donde la película guarda su mayor tesoro, su mayor drama, su esencia más primigenia. El descenso de Michael a los infiernos es quizás, uno de los cinco mayores dramas que jamás se hayan visto en pantalla. Su historia transita desde un total desapego a los turbios asuntos familiares hasta proclamarse el rey del clan de los Corleone. Una continuación de desgracias transforman al (seguramente) único personaje con el que pudiéramos identificarnos de buenas a primeras. Su rostro, luminoso y sonriente en los primeros minutos del film, se va tornando oscuro, frío e imperturbable a medida que avanza la película. Finalmente tenemos a un Michael irreconocible, un Michael que puede mirar a los ojos fijamente y mentir a su propia esposa, un ser temible y calculador, capaz de abrazarte y clavarte el cuchillo por la espalda al mismo tiempo.


Cabe resaltar que Al Pacino no tenía más que un par de películas a sus espaldas. Su experiencia estuvo en tela de juicio durante todo el desarrollo del rodaje. Coppola, para calmar el ambiente, mostró a la Paramount la secuencia en la que Michael tiene que matar a Solozzo y al jefe de policía interpretado por Sterling “Caradepalo” Hayden. Los productores quedaron bastante impresionados por los dotes interpretativos de Pacino, hecho que sirvió, no sólo para corroborar la elección de dicho actor para el papel protagonista, sino también como bálsamo para afianzar el puesto de Coppola como director.

Su presencia en el film es magnética, atractiva y embelesadora. No obstante, nuestra relación con él va sufriendo la misma crisis que su pareja, Kay (Diane Keaton). La mimesis con el personaje se va perdiendo minuto tras minuto, las distancias entre espectador y personaje aumentan paulatinamente, llegando a provocar pavor en alguna de las escenas finales, su figura termina por transfigurarse hasta convertirse en el mismísimo diablo. Sin duda alguna, aquel 15 de marzo nació una estrella. La explosión de Pacino dio la vuelta al mundo, en poco más de un par de películas ya era considerado como uno de los mejores actores de la década. Hoy, se le considera uno de los mejores actores de todos los tiempos.

Brando y el resto

No sabría describirlo sin decir algo que no se haya dicho ya, no sabría amarrarlo con un simple adjetivo, pero superlativo sería la palabra que mas se acercaría a su interpretación. Él es el ejemplo y el objeto de la crítica que recibió el film. Su figura representa la elite de la familia, su saber hacer, sus famosos tics y su elegancia llevaron a atacar a la obra por glorificar a la mafia. Cierto es que la leyenda (los míticos algodones en su mandíbula, que en realidad eran implantes de resina) ha dado muchísima cancha al personaje de Brando, cierto es, también, que sus gesticulaciones, su voz rota y sus poses, sean demasiado manieristas e inaguantables para algunos (no para mí, por supuesto). De todos modos, la huella que Don Vito deja en el film es insustituible, de hecho, mientras Michael va encerrándose en sí mismo y alejándose de las simpatías del espectador, Don Vito no pierde su status (ni su clase) ni al estar al borde de la muerte. Un Brando espectacular consiguió relanzar su carrera con un papel inmortal, protagonizando (además) uno de los mejores arranques de película que jamás se recuerden en la historia del cine.


El espectacular elenco está repleto de brillantísimas interpretaciones que dan vida a personajes inolvidables. Aunque no lo he nombrado aún, especial mención merece John Cazale (interpreta a Fredo), que perfila un personaje que traerá mucha cola, sobre todo en la secuela del film. Por otro lado, figuras como las de James Caan o Robert Duvall, ya consagradas en su día, dejaron su sello en el film con un par de personajes esenciales para la saga de El Padrino. Nombres poco conocidos entonces como el de Diane Keaton comenzaron a resonar en las bóvedas de Hollywood para después convertirse en la musa de Woody Allen. La otra mujer del film fue interpretada por Talia Shire, mucho más conocida por su papel de Adrian en Rocky (1976). Ésta protagoniza una de las tramas más crudas de todo el film al sufrir las continuas palizas de su marido. Concluyendo, incluso viejos conocidos tuvieron su hueco en la ópera de Coppola, así como Sterling Hayden o el mismísimo Brando. En definitiva, El Padrino es una muestra tangible de una película que apostó por las nuevas tendencias teniendo siempre un ojo puesto en el pasado, con ella se abrieron las puertas a la generación del New Hollywood.

El legado

El folklore del film ha terminado por convertirse en leyenda; las conversaciones en la cocina sobre como preparar correctamente (o al modo Clemenza) unos buenos spaghetti, los sabios consejos que Don Vito lega a su hijo, las ostentosas ceremonias religiosas o las grandes fiestas en las que se baila la tarantella hasta caer al suelo redondo. El legado de El Padrino se masca en los films venideros del género, la mafia italoamericana se identificaba directamente con la película, era ya entonces imposible hacerle cambiar de cara. Directores como Scorsese, Sergio Leone, de Palma o incluso Ridley Scott en American Gangster (2007), han reconocido la influencia de El Padrino en su cine. El romanticismo del relato de Puzo se había expandido en el género, sin embargo, la mayoría de películas que surgieron intentando imitar su esencia se quedaron a medio camino entre el relato plúmbeo y ostentoso, y el deseo de una violencia exacerbada.


Aquí nos topamos con un par de personajes que han hecho durante años las delicias del espectador (aunque muchos no lo sepan). Uno es Gordon Willis, aka “El príncipe de las tinieblas”, encargado de llevar la fotografía de la película, especializado en rodar en condiciones adversas con una gran ausencia de luz. La luz cenital en el despacho de Don Vito en contraste con la luz del exterior mientras se celebra la boda, o el caluroso tono lumínico de la Sicília profunda, hacen de la fotografía de Willis una Bíblia para muchísimos profesionales del medio. Su oscuridad se mezcla perfectamente con la increíble banda sonora de Nino Rota. Éste, que no fue nominado al Oscar por haber reciclado las melodías de una película anterior, Fortunella (1958), terminó por inmortalizar una de las melodías más famosas del celuloide. Sobran las palabras.

Entre la solitaria trompeta de Rota, la oscuridad en la que Willis envuelve a los personajes, la desgracia en la que cae la familia desarrollada por Puzo y la sobria dirección de Coppola, se había creado un mito que se instauró al momento en los anales de la historia del cine. La maldición de los Corleone no había hecho más que empezar. Un film harto recomendable para todo el mundo ya que seguramente (sobre todo para los/las que no la hayáis visto) estéis ante una de las cinco mejores películas del siglo XX.

Buon Natale.

(Volver a la primera parte)

- Os dejo con el mítico arranque de la película.-

Las mejores películas de Navidad

Hoy se respira cierto ambiente festivo en las calles y las casas de todo el mundo. La razón ya la sabemos todos: ¡esta noche es Nochebuena y mañana, Navidad! Época de villancicos, comidas familiares, largas colas en tiendas y centros comerciales... ¡y películas de temática navideña! Títulos que se repiten todos los años, que formaron parte de nuestras navidades pasadas y que despiertan (o no) en nosotros ese espíritu que se supone que debe invadirnos a todos en estas semanas.

Por eso hoy hemos querido felicitaros las fiestas con un pequeño recopilatorio de las principales películas navideñas que han marcado nuestra vida de algún modo. Aquéllas que han repetido en la televisión hasta la saciedad, que asociamos directamente con el árbol de Navidad o sin las que no podríamos imaginarnos estos días del año.

¡Os presentamos nuestro Top Ten de las mejores películas de la Navidad! Y a vosotros, ¿cuáles os faltan? ¿Cúales os sobran? Os esperamos en los comentarios. ¡Feliz Navidad!

10. Un padre en apuros

(Brian Levant, 1996)

¡Lo sabemos, lo sabemos! De esta película podría decirse que es mala, insustancial y demasiado previsible, pero venga, ¿quién no la ha visto aunque haya sido haciendo zapping? Su argumento es lo que podemos esperar de las películas que nos podrán los sábados por la tarde de este año. Un padre que le promete a su hijo un juguete que está agotado en todas las tiendas y debe mover cielo y tierra para encontrarlo.

9. Solo en casa

(Chris Columbus)

Siempre relacionaré a Macaulay Culkin con esta película, por muchos años que pasen, y siempre que pienso en ella me acuerdo de aquellos días de pijama y tele típicos de las vacaciones de Navidad. Por ese motivo, no queríamos que faltase en nuestra recopilación, porque consiguió hacerse un huequito en nuestra memoria y la vimos año tras año durante, quizás, demasiado tiempo.

8. Polar Express

(Robert Zemeckis, 2004)

Esta alabada película, que fue nominada a los Oscar, los BAFTA y los Globos de Oro, ha conseguido meterse en nuestro top a pesar de haber sido estrenada hace, escasamente, seis años gracias a la revolución tecnológica que supuso con el uso del Live action. La cinta se basa en un popular cuento infantil de Estados Unidos que relata el viaje en tren de un niño hacia el Polo Norte.

7. Love Actually

(Richard Curtis, 2003)

El estreno como director del guionista de 4 bodas y un funeral, Notting Hill o El diario de Bridget Jones supuso un verdadero éxito. Una comedia romántica de historias cruzadas en Londres que nos relata los problemas con el amor de sus diez personajes principales durante los dos meses previos a las fiestas navideñas y que culmina, precisamente, en Nochebuena. Imprescindible para ablandarnos el corazón en estas fechas.

6. Pesadilla antes de navidad

(Henry Selick, 1993)

Con sus diecisiete años recién cumplidos, Pesadilla antes de navidad continúa siendo una de las películas mejor valoradas de Disney y reúne a miles de seguidores en todo el mundo que, todavía hoy, llevan bolsos y carteras con la cara de Jack Skellington. Sin duda, una historia de navidad totalmente diferente que se alejaba de las insulsas princesas Disney y nos ofrecía un terrorífico cuento. Una atrevida propuesta que nos acercó al mundo de Tim Burton, productor de la cinta, cuando contábamos con sólo seis o siete años.

5. Historias de Navidad

(Bob Clark, 1983)

Basada en los relatos del autor Jean Shepherd, Historias de Navidad es una comedia familiar que no puede faltar en ninguna de esas reposiciones navideñas de la televisión estos días. Narra la historia de un niño que pide por navidad un rifle de aire comprimido, pero que siente que el mundo está en su contra. Si no la habéis visto, aprovechad estos días, porque en otro momento del año ya no será lo mismo.

4. Eduardo Manostijeras

(Tim Burton, 1990)

Si con el film anterior nos acercábamos al universo Burton, con Eduardo Manostijeras nos metíamos de pleno en él. Una de las mejores películas de la historia que, aunque no pudimos ver en el año de su estreno por ser demasiado pequeños, se encargaron de repetir en la televisión durante varios años hasta que pudimos hacerlo. Una noche de Navidad, una anciana le cuenta a su nieta la historia de Eduardo Manostijeras, resultado de un extravagante inventor que dejó su obra a medias y al muchacho con afiladas cuchillas en lugar de manos.

3. De ilusión también se vive

(George Seaton, 1947)

Una historia propia de estos días ideal para recuperar la ilusión, y nunca mejor dicho, de cuando éramos niños. Santa Claus existe, aunque los adultos a veces nos olvidemos de ello. Cuando el hombre que interpreta a Santa Claus debe ser sustituido tras un incidente de los grandes almacenes Macy de Nueva York, debe ser sustituido por un hombre que asegura ser el verdadero Santa Claus. En 1994, se realizó un remake innecesario de este film que nada tuvo que ver con la película original, ganadora de tres Oscar en su momento.

2. Cuento de Navidad

(Brian Desmond Hurst, 1951)

Se trata de la primera adaptación cinematográfica de la obra de Charles Dickens, que posteriormente ha sido llevada al cine y la televisión en multitud de ocasiones e, incluso, se ha emulado en los capítulos especiales de algunas series. Recordemos que Cuento de Navidad relata la visita que el tacaño Ebenezer Scrooge recibe de los espíritus del pasado, el presente y el futuro, que le harán replantearse su forma de ser y vivir la vida.

1. ¡Qué bello es vivir!

(Frank Capra, 1946)

La cinta de Capra es, sin lugar a dudas, la película típica de la Navidad por antonomasia y por eso se merece nuestro número uno. ¿Qué sería de la Navidad sin este clásico del cine? ¡Qué bello es vivir! está protagonizada por James Steward y Donna Reed y se sitúa en la noche antes a la nochebuena. Un maravilloso cuento de Navidad que no podía faltar en nuestra felicitación de este año.

Crítica | "Bruc, el desafío", de Daniel Benmayor

De no habernos tocado dos entradas para asistir al preestreno de Bruc, el desafío, probablemente ni habríamos ido al cine a verla, seguramente nos habríamos fijado en otras opciones de la cartelera y, con casi total seguridad, la habríamos olvidado y no estaríamos escribiendo ahora esta entrada. Sin embargo, como nos invitaban al cine, decidimos no perder la oportunidad. La película pintaba bien y... bueno, ¡vaya decepción!

Empecemos por que nos proyectaron la versión doblada del film y hacía tanto tiempo que no veíamos una película así que el sonido nos parecía demasiado irreal, retocado y no sabíamos ya qué voces pertenecían a los actores y cuáles no. Recordemos que la cinta ha sido rodada en castellano, catalán y francés.

Bruc, el desafío desarrolla la historia del tamborilero de la batalla del Bruc que venció a las tropas francesas, regalándole así a Napoleón su primera derrota, y se centra en la búsqueda y captura posterior del joven, a cuya cabeza pone precio el mismísimo Bonaparte.

Ante esto, nuestras expectativas no eran demasiado altas respecto a la película. Nos esperábamos una entretenida historia de aventuras, apta para todos los públicos, y sin mayores pretensiones, especialmente cuando el director era el mismo de Paintball, Daniel Benmayor, y en eso no falla. Visualmente, Bruc cumple. Una fotografía correcta, bonitos paisajes, tomas aéreas... ¿Entretenimiento? Sí, la hora y media se pasa enseguida, casi sin que lo notemos, hay acción por todas partes y el ritmo es bastante bueno.

Sin embargo, el guión realizado por Patxi Amezcua y Jordi Gasull flojea por todas partes, especialmente en los diálogos, demasiado previsibles y faltos de profundidad alguna. Lo peor era  que nos avisaran de todo lo que iba a suceder: "Si peleas cuerpo a cuerpo, atento a su bota", y claro, cuando se pelean, los que no estamos atentos somos nosotros, que ya sabemos lo que va a suceder.

Lo mismo ocurre con sus personajes, tan superficiales y poco desarrollados, sobre todo en el bando de los malos, que no nos importan ni lo más mínimo. No hablaremos de las interpretaciones de Santi Millán y Vincent Pérez, porque como os decíamos al principio, difícil saber si sus voces eran de estudio o no, incluso fijándonos en los labios. Curiosamente, Juan José Ballesta es quien mejor se defiende en la versión doblada, aunque nos resulte plano y su papel tampoco le exija demasiado (y eso que es el protagonista).

Por otro lado, solemos estar en contra de los buenos que son demasiado buenos y los malos que se pasan de malos, nos gustan los matices, pero es que en este caso, los malos son idiotas, claramente. Mucha mala leche para hacer explotar el pueblo y querer matar a un niño y luego son condescendientes con el que es su mayor enemigo. A punto están de cazarlo en diversas ocasiones y no lo hacen porque se dedican a perder el tiempo y dudar demasiado, y lo mismo con su novia. ¡Venga ya, que sois los malos!

En definitiva, Bruc, el desafío es una película entretenida para un sábado por la tarde pero por la que no pagaríamos seis euros de entrada ni en broma. Mejor tomársela a risa y verla como tal, porque como te dispongas a verla esperando una buena historia épica, terminarás con un disgusto. Una pena, porque la historia resultaba bastante cinematográfica y se le podría haber sacado un jugo mucho más suculento.

Nota: 3/10